Entrevistamos a Digby Robinson de BIG RED FIRE TRUCK: “La industria nunca encontró la manera de capitalizar un sonido sin tener que explotarlo”

“Un gran y rojo camión de bomberos” es el nombre que eligieron estos australianos para hacer un hard rock que tiene que ver más con la nueva movida europea que recupera los años dorados de los ochentas, que con AC/DC y AIRBOURNE (las referencias rockeras que a cualquiera se le vienen a la mente cuando piensa en el “país de los canguros”).  Para que nos cuente de qué se trata este nuevo proyecto, hablamos con Digby Robinson, cantante, guitarrista y líder de la banda acerca de su reciente EP llamado “Trouble in Paradise”, además de recorrer su historia musical que intenta recuperar lo mejor de los ochentas con un sonido y una propuesta contemporánea. 

BIG RED FIRE TRUCK (BRFT) es una banda nueva de un género con mucha historia, que acaba de lanzar su primer EP. Seguramente muchos de nuestros lectores no los conocen. ¿Podrás contarnos un poco acerca de la historia de la banda?  

La banda se formó hace unos siete años, pero no promocionamos mucho la música que hemos editado. Había un bar en Sidney que se llama Frankie’s Pizza by the slice, que lamentablemente se vio obligado a cerrar, pero era un bar de hard rock increíble para tocar. En ese lugar éramos locales y era nuestra manera de darnos a conocer. En casi todos los bares de Sidney tenés que tener ya un público más o menos armado para poder tocar, lo cual hace las cosas muy difíciles para las bandas emergentes. Frankie´s dejaba que las bandas toquen para el público del bar, es decir, permitía que la gente te conociera porque siempre se llenaba. Eso me dio la idea de armar una banda del tipo de música que yo quería tocar, una onda VAN HALEN o THE DARKNESS así que me reuní con Pete (batería), probamos algunas canciones y cuando tuvieron forma conseguimos un bajista, otro guitarrista y empezamos a tocar. Luego, con los años probamos diferentes guitarristas hasta que encontramos a Ben que es nuestro guitarrista actual. Durante el COVID tuvimos realmente tiempo y plata para poder dedicar al proyecto, incluyendo los videos y demás. Creo que pasé la mayor parte de todo ese periodo escribiendo música, pensando los videos y esforzándome para promocionar la música fuera de Australia. Este género no es tan popular por aquí.  

El nombre que eligieron me resulta un tanto curioso ¿cuál es la historia detrás de él?  

¡Ah sí! (risas). Trabajé con Pete (batería) bastante tiempo y en aquel entonces él solía llamarme “Big Red Fire Truck”, ese era mi apodo. Cuando empezamos a pensar en un nombre para la banda, a él se le ocurrió que sería divertido llamarla así. La verdad es que no quería que la banda tuviese algo que ver conmigo o con mi nombre y él me dijo: “si se te ocurre algo mejor que eso lo cambiamos”. Después pensé que en realidad no es mi nombre y no es tan obvio que se trata de mí, así que lo dejamos.  

Elegiste un estilo que fue extremadamente popular durante los años ’80 en los USA. Luego hubo un fuerte renacimiento a principios de los ’00 en Suecia con bandas como HARDCORE SUPERSTAR, CRASH DIET, CRAZY LIXX o HEAT. Hoy ustedes, veinte años después, están eligiendo ese camino ¿Qué te llevó a seguir el camino de ese hard rock? ¿Por qué pensás que hoy la gente va a escucharlo?  

No hago música porque pienso que la gente va a escucharla sino porque me gusta y me divierto haciéndola. Siempre me gustó este estilo de música y nunca entendí por qué su popularidad fue tan cambiante, con tantos revivals. Creo que es por ese estigma de finales de los ochentas donde había miles de bandas haciendo exactamente lo mismo. Pienso que la industria nunca encontró la manera de capitalizar un sonido sin tener que explotarlo en cuanto a mostrar su faceta más comercial y vendedora. Ese fue el último estilo de rock al que la industria le dio cabida, hasta que apareció el grunge y lo limpió del mapa. Desde entonces creo que cualquier banda que surge que toca metal con melodías poperas, inmediatamente es ubicada en la zona ochentosa del glam. Cuando sacamos nuestro primer clip en jeans y remeras, automáticamente se volvió glam metal (risas); es así y no hay nada que hacer.

Igualmente creo que tienen un sonido fresco, nuevo, orgánico, no suena como aquel hard rock típico de los ’80, está actualizado  

Si, bueno. Eso fue algo 100% intencional. Nunca sentí que tenía que componer música para sonar de esa manera. Cuando lo produjimos, realmente quise que no sonara viejo porque, como dije, es un estilo ochentoso pero quería que sonara lo más moderno posible. ¡Lo loco es que a pesar de todo, no pude escapar del estigma! Quería que sonara pesado sin necesidad de tener que afinar las violas cinco tonos abajo, quería que se notara que lo habíamos grabado hoy y no que sonara como un disco grabado en 1982. Creo que lo logramos. 

Sí, creo que sí. De hecho, en sus videos se nota que se enfocaron en algo más que solo tocar. Por ejemplo, en el video de “Trouble in Paradise” hay un lindo guión, con un desenlace interesante. ¿Qué pensás que les aporta hacer apuestas visuales de esta índole? ¿Pueden captar más público con lo visual o es simplemente un complemento?  

Creo que ese es el fin último. Cuando hacés un video, especialmente hoy en día donde hay un montón de maneras de presentar visualmente las cosas, es muy importante tener claro qué querés mostrar. En mi experiencia, cuando escucho una canción en la radio, inmediátamente creo una imagen mental y luego, cuando veo el video, muchas veces potencia la música y termino disfrutándola más (aunque a veces tiene un efecto completamente contrario). Por eso siempre trato de que el video refleje la energía de la canción a la vez que se sostenga como una entidad independiente. En cuanto a “Trouble in Paradise”, primero hicimos la portada del EP y me gustó la idea de revivir esos hoteles viejos y la onda de la película Bad Times at the royale con esa atmósfera misteriosa. Cuando filmamos el video, no tuvimos mucho tiempo, lo hicimos en cuatro horas, y el director me dijo: “Asegurate de que cada escena tenga su propio guión para que sepa exactamente qué filmar en cada toma sin repetirla”. Así que tuve que asegurarme de que la historia estuviese muy bien escrita y preparada antes del rodaje.

Después hicimos “Love Bite” pero fue muy diferente (risas). Ahí simplemente queríamos patinar un rato y divertirnos. ¡Es una canción medio funky y quería bailar un poco; eso hicimos! En cuanto a las ideas, son todas mías. Para ambos videos elegí el lugar, la iluminación, los colores y todo lo que sucedió. Incluso participé de la edición para que las cosas quedaran tal cual las tenía en la cabeza. El de “Love Bite” no resultó exactamente como lo había pensado, pero creo que logramos la onda. Para nuestro tercer clip “Psychotropic Thunder” simplemente quería hacer un video de lucha libre así que fui a tomar algunas clases para poder estar en el video (risas). Un amigo mío es comentarista de luchas, le mencione mi idea y él me dijo: “¡Si querés, te puedo conseguir algunos luchadores para el video e incluso que te entrenen un poco para que participes!” No armamos ningún setup, el video fue una noche real de lucha libre y me metieron ahí. Se filmó todo en vivo (risas). 

El arte de tapa resulta muy atractivo, teniendo en cuenta el estilo de música de la banda, invita a escucharlo y sin duda a ver cuáles son esos “Problemas en el paraíso“. Podrás contarnos ¿Qué significa el nombre? ¿Quién estuvo a cargo del arte?  

Hay una chica en Melbourne con la que he trabajado, que es una increíble diseñadora gráfica. El problema es que lo que ella hace habitualmente no tiene nada que ver con lo que yo le pedí (risas), aunque resulta que es muy buena interpretando las indicaciones que uno le da. Entonces, le mandé algunas escenas de la peli que te mencioné (Bad times at the royale) junto a otras imágenes de hoteles medio oscuros y tétricos. Después le dije que quería un buen cartel de neón y se le ocurrió esto; aunque al principio el cartel tenía colores más apagados, más oscuros. Luego le dije que quería que fuese en un atardecer, una puesta del sol con una tormenta que se avecinaba. La idea era que se viera un hermoso y paradisíaco atardecer, pero, al mismo tiempo, también se venía el peligro, la tormenta tropical en el horizonte. 

En cuanto a la idea, cuando escribí la canción, estaba caminando por Venice Beach en Estados Unidos. Tenía unas horas libres en un tour que hice con un amigo, para quién toco la guitarra en un proyecto de música electrónica, y salí a caminar. Tenía el riff en la cabeza y comencé a escribir algunas ideas que tenían que ver con lo que sucede cuando vives en Australia, especialmente durante los ’80-’90. En la televisión te mostraban Baywatch y todas esas playas americanas que eran las playas más lindas del mundo. Entonces uno pensaba que esas playas eran muchísimo más lindas que las que tenemos acá y resulta que cuando las conoces en persona es una decepción fuerte, hasta grosera diría, porque ni se parecen a las nuestras. De ahí viene la idea, de pensar que uno va al paraíso, y cuando llega, se encuentra con la decepción porque no es así como lo pintan. En ese momento no tenía el título ni lo tuve hasta un año después cuando escribí el estribillo y la frase surgió de una película o videojuego, no recuerdo bien, y pensé… “¡Eso es! ¡Este es un título genial!”. Y luego se convirtió como en una metáfora para las relaciones tóxicas en donde conocés a alguien que se presenta como un ser maravilloso, sin fisuras y al poco tiempo, una vez que te atrapó, se empiezan a ver las imperfecciones.  

Mencionaste a Australia en los ’80. A modo ecuación, Rock + Australia= AC/DC o AIRBOURNE. Claramente ustedes no suenan así ¿Cuáles son sus influencias locales si es que las tienen? 

Bueno, cuando era joven en realidad escuchaba mucha música pop, lo que pasaban en la radio de Australia que eran, en general, los clásicos EAGLES, QUEEN, THE BEATLES, TINA TURNER y demás. Particularmente, a mi me gustaba mucho MICHAEL JACKSON que, creo, finalmente me llevó a VAN HALEN por su solo en “Beat it”. Cuando empecé a tocar la guitarra lo único que quería era que sonara como ese solo, por lo que empecé a buscar más material de ese tal Van Halen y justo en ese momento también, en la tele, empezaron a aparecer los videos de POISON, BON JOVI, GUNS N’ ROSES o MÖTLEY CRÜE. Lo que me hizo pensar: “Bueno, si quiero aprender guitarra debería escuchar esas cosas”. Empecé a escuchar todo eso sumado a algunas cosas del grunge como NIRVANA, PEARL JAM y algo del momento como THE OFFSPRING o GREEN DAY pero todo duró hasta que me metí bien de lleno con VAN HALEN. Ese tipo realmente me sacudió la estantería y me presentó el tipo de música que quería tocar y escuchar.

Recientemente descubrí a la banda RECKLESS LOVE, increíble, me encanta; CRAZY LIXX es otra banda que me parece sensacional. También está STEEL PANTHER… al principio no me gustaba porque no estaba de acuerdo con sus letras, pero luego me di cuenta que son músicos espectaculares y que si uno separa el sentido del humor, las canciones están muy bien compuestas. La verdad es que últimamente THE DARKNESS es la banda que me inspira. Creo que son un muy buen ejemplo de cómo tomar el estilo viejo, convertirlo en propio y volverlo atemporal. No se los puede ubicar en una época, suenan simplemente a ellos, siempre. 

Entonces sos Australiano pero ¿Ni AC/DC ni AIRBOURNE están entre tus influencias?  

No realmente. Es decir, los escuché mucho y lo sigo haciendo, pero no como influencia. Tienen un sonido muy particular, una energía muy “cruda” y única y unos vocalistas increíbles; pero sus bases son muy bluseras y son muy buenos haciendo canciones muy similares, pero que suenen diferentes. Eso es increíblemente difícil de hacer. Pero sí, es cierto que muchas de las bandas que salen de aquí intentan sonar a AC/DC, por eso no quise hacerlo. 

Mencionaste hace un rato un montón de bandas de pop que creo tienen un costado muy rockero ¿Creés que están ligadas de alguna manera al metal o el hard rock? 

Mirá, “Simply the Best” de TINA TURNER fue producida por Desmond Child, por lo que tuvimos a los mismos productores y/o compositores detrás de DEF LEPPARD, BON JOVI, CELINE DION, SHANIA TWAIN durante más de una década hace veinte años atrás pero no lo sabíamos. Todos esos grandes compositores que trabajaron con las grandes bandas de los ’80 transicionaron hacia el pop porque ya nadie quería escuchar heavy a principios de los ’90; entonces comenzaron a escribir power ballads para MARIAH CAREY, CELINE DION, etc. Así que sí, todo está conectado.  

Se habla mucho de su buen sentido del humor como banda ¿Qué papel cumple el humor a la hora de trabajar y componer como grupo? ¿Cómo miden el nivel de seriedad y los tiempos para cumplir con los objetivos?  

Es muy difícil; diría que es la parte más difícil de todas. Lo único que queremos es divertirnos y es muy fácil dejar de hacerlo si el objetivo principal se vuelve muy serio. Somos serios, pero tratamos de componer de forma tal que parezca en vivo o, en realidad, pensando en cómo le contaríamos la historia a un amigo. Cuando le cuentas una historia a alguien querés que sea entretenida y el humor juega el rol de mantener a todos pasando un buen momento. Hay momentos en los que una canción requiere cierta seriedad, pero tratamos de que no sea un “Hey, miren, nosotros también estamos tristes o pasando un mal momento”. Nuestro trabajo más bien sería “¿Estás pasando un mal día? Bueno, escuchá nuestra música y transformalo”.

Entiendo. Y ¿Qué hay de la energía en el escenario? También se dice que tienen son intensos arriba del escenario. ¿Cómo plantean o arman los shows? 

El movimiento en escena tiene mucha importancia en esto. Si la música suena grande, entonces el movimiento tiene que ser directamente proporcional. Eso toma tiempo. En mi experiencia no es posible juntar a cuatro personas y pedirles: “Hey, asegúrense de actuar en el escenario, de moverse y saltar mucho”, definitivamente es impoosible. Eso viene con la práctica y la experiencia tocando las canciones, observando al público, tratando de ver a qué reaccionan o qué piden. Creo que si pensás que estás siendo muy grande, probablemente no lo estés siendo. Siempre se puede más, hay que tratar de ir un poco más allá, tratar de llegar un poco más alto cada vez. La idea es que lo visual sea una extensión de la música o que la lleve más allá. Es tratar de que alguien que viene a un show sin conocernos, sin ser un fan del estilo de música, tenga un momento entretenido desde lo visual y que pueda engancharse con nuestra música desde allí. Pero, bajo ningún concepto quiero que la parte visual opaque el disfrute de la música. Es ridículo usar pirotecnia porque la canción es una mierda; eso sería una distracción. Si hay pirotecnia, debe estar ahí porque la canción lo amerita, ¡porque en ese momento la energía es tan grande que mentalmente ves cosas explotando! 

Sí, me sucedió recientemente cuando fui a ver a MÖTLEY CRÜE y DEF LEPPARD. El show de MÖTLEY, el escenario, las luces todo estaba ahí pero la banda no. Se notaba la falta de ganas, de energía; aún con todo el set montado que tenían. No sucedió con DEF LEPPARD. Todo lo contrario. Aun siendo una banda más veterana, la energía y las ganas se transmitían en cada verso! 

¡DEF LEPPARD es una banda fenomenal! Cuando vi a THE DARKNESS en vivo la primera vez presentando su disco “Hot Cakes”, que aún ni siquiera había sido editado en Australia, vi un show con un montón de canciones que no conocía y la sensación era que ellos se estaban divirtiendo muchísimo más que todos los fans que los estábamos mirando; eso hacía que se disfrutara aún más. Cuando ves que la banda está pasando un buen momento, el show se disfruta mucha más, ¡Incluso si no conocés las canciones que están tocando! Y ahí tuve la revelación: “¿Sabés qué? Lo importante es poder pasarla bien mientras toco. El resto, será consecuencia de eso” y a eso apuntamos.

Sos guitarrista y entiendo que, además, sos la mente creadora detrás de este proyecto ¿Cómo comienza para vos el proceso creativo y cómo se desarrolla? ¿Empezás por un riff? O ¿Por una melodía? O quizás ¿Una letra? 

En general todo comienza con un riff. Pero también hay ocasiones en las que se me ocurre una melodía o un pequeño gancho lírico; aunque si no tengo ninguna idea en la cabeza, simplemente agarro la guitarra y me pongo a tocar cualquier cosa hasta que algo me llama la atención y lo trabajo. Pongo alguna pista simple de batería y grabo un demo en casa. Una vez que siento que es una canción completa, lo llevo a la banda para escuchar ideas y opiniones. La estructura de la canción está hecha y les digo cómo quiero que suenen las cosas pero que ellos le pongan su impronta. En algunas ocasionas la canción no lega terminada a la banda y lo hacemos entre todos. Por ejemplo, las baterías para el demo de “Trouble in Paradise” las grabó Darby Todd (DEVIN TOWNSEND, ex THE DARKNESS) a quien conocí durante el COVID y un día me dijo: “Tenés algún demo sobre el cual pueda grabar alguna batería, solo por diversión?!” Y le di ese demo para que hiciera lo suyo. Es decir, él compuso las baterías de esa canción. Luego nuestro baterista acomodó un par de cosas sobre eso. En general yo ya vengo con una idea acabada y la tocamos hasta que cada uno está conforme con su parte. Recién ahí vamos al estudio para no estar más de una hora o dos y sacar todo lo más rápidamente posible. ¡No tenemos la plata para sentarnos todo el día en el estudio a terminar las canciones (risas)… vamos con todo listo! 

BIG RED FIRE TRUCK es:

Digby Robinson – Voz & guitarra

Nicholas Frazier – Bajo 

Pete Grant – Batería