ROBERT PLANT con SAVING GRACE y SUZI DIAN en vivo en Buenos Aires: “Bajar el mito a tierra”

Robert Plant podría llenar tres o cuatro River si mañana anunciara que vuelve a cantar con LED ZEPPELIN. La ecuación sería casi automática: mito, ausencia, demanda acumulada y una de las voces más reconocibles de la historia del rock otra vez al frente de ese repertorio. No haría falta demasiada maquinaria conceptual ni una campaña especialmente ingeniosa. Bastaría con poner el nombre correcto en el afiche para que varias generaciones salieran corriendo detrás de una entrada: quienes vivieron esa música como revelación, quienes la heredaron como mandato familiar y quienes crecieron escuchando que aquello fue una de las formas más grandes que tuvo el rock para volverse exceso, misterio y electricidad.

Pero Robert Plant eligió otra cosa. Su regreso argentino no ocurrió en un estadio ni bajo la sombra gigantesca de LED ZEPPELIN, sino en el Gran Rex junto a SAVING GRACE y Suzi Dian, lejos de la lógica monumental y mucho más cerca de una ceremonia de raíz, madera, voces cruzadas y canciones que parecen venir de antes del rock. Esa decisión dice mucho más que cualquier declaración: Plant no niega su pasado, pero tampoco acepta quedar preso de él. En lugar de convertir cada presentación en una visita guiada por el mausoleo zeppeliano, toma ese legado, lo baja del mármol y lo mezcla con folk británico, gospel, blues rural, Americana, música tradicional y versiones que funcionan como rastros de una memoria anterior al volumen, al riff convertido en monumento y al aplauso asegurado.

Tal vez por todo esto, Robert Plant se mostró de visible buen humor durante toda la noche. Lejos de pararse en escena con solemnidad de prócer, jugó con el público, hizo comentarios sobre la vejez, el paso del tiempo y esa condición inevitable de estar cantando canciones que atravesaron más de medio siglo sin perder peso simbólico. También tuvo breves interacciones con la platea, incluso con algún reto amable para quienes parecían más preocupados por filmar que por vivir el momento. No fue un gesto antipático ni una pose de estrella cansada de los teléfonos: funcionó más bien como una extensión natural del espíritu del show. Plant parecía pedir una escucha más atenta, menos mediada por la pantalla, más conectada con una música de raíz que necesita respiración, silencio y presencia.

Ese humor tuvo algo más que simpatía: también fue una forma inteligente de desactivar la estatua. Plant sabe perfectamente quién es, sabe lo que representa y sabe qué espera buena parte del público cuando lo tiene enfrente. Pero en lugar de reforzar la distancia reverencial, eligió correrse un poco del pedestal, reírse del cuerpo, de los años, de la memoria y hasta de las nuevas costumbres del público. Esa actitud terminó siendo coherente con todo el concierto: si la música buscó bajar a LED ZEPPELIN del mármol para devolverlo a la tierra, sus intervenciones entre tema y tema hicieron algo parecido con su propia figura.

SAVING GRACE no funcionó como una banda de acompañamiento al servicio de Robert Plant, sino como el verdadero cuerpo sonoro de esta etapa. La formación, integrada por Suzi Dian en voz, Oli Jefferson en batería, Tony Kelsey en guitarra, Matt Worley como multiinstrumentista y Barney Morse-Brown en violonchelo, construyó un marco donde lo acústico nunca fue sinónimo de suavidad ni de mero decorado folk. Cada instrumento pareció ocupar un lugar preciso dentro de una trama de madera, respiración y tensión contenida: guitarras que no buscaron llenar todos los espacios, percusiones más cercanas al pulso ritual que al golpe rockero, cuerdas que abrieron zonas de sombra y una dinámica vocal donde Suzi Dian tuvo un rol decisivo. Su presencia no quedó reducida al contrapunto femenino ni al color de fondo; por el contrario, muchas canciones encontraron en el cruce entre su voz y la de Plant una forma de diálogo, de respuesta y de relato compartido.

Pero esa construcción de raíz no significó ausencia de pulso rockero. SAVING GRACE trabajó con instrumentos, dinámicas y texturas más asociadas al folk, al blues y a la canción tradicional, pero nunca sonó como una agrupación frágil o meramente contemplativa. Debajo de la madera, las voces cruzadas y el violonchelo, hubo un empuje firme, una manera de sostener los temas con tensión interna y con una energía que recordaba que Robert Plant viene del rock aunque ya no necesite reproducir sus gestos más obvios. La banda tuvo swing, cuerpo y una electricidad latente, menos frontal que la de una formación de hard rock, pero igual de decisiva para que el concierto no quedara encerrado en una postal acústica. En canciones como Calling To You, Angel Dance o Rock & Roll, ese pulso apareció con claridad: no como nostalgia de amplificadores al máximo, sino como una fuerza orgánica, flexible, capaz de empujar sin aplastar la canción. Además, Suzi Dian aportó otro color fundamental con el acordeón, especialmente en las relecturas de LED ZEPPELIN. Ese detalle fue clave porque terminó de correr esas canciones del territorio esperable del rock clásico. El acordeón no apareció como un adorno pintoresco ni como una rareza tímbrica puesta para “folklorizar” artificialmente el repertorio, sino como una herramienta para abrir otra respiración. En lugar de empujar los temas hacia la reconstrucción eléctrica, los llevó hacia una zona más viajera, más popular, casi de música atravesada por caminos, pueblos, salas pequeñas y memoria oral. En ese gesto, Ramble On, Friends, Rock & Roll y Going To California quedaron todavía más integradas al universo de SAVING GRACE.

Ese dato no es menor, porque SAVING GRACE nació alrededor de una búsqueda colaborativa y no de una simple operación solista. El álbum que lleva el nombre del grupo fue grabado durante la pandemia en Inglaterra y trabaja sobre versiones de artistas ligados al folk, el blues y la música americana, entre ellos BLIND WILLIE JOHNSON, MEMPHIS MINNIE, THE LOW ANTHEM, MARTHA SCANLAN, SARAH SISKIND, MOBY GRAPE y LOW. Esa lógica se trasladó al Gran Rex con bastante claridad: Plant no presentó un repertorio pensado para demostrar vigencia desde el músculo, sino para mostrar cómo una canción puede cambiar de piel cuando pasa por otras voces, otros arreglos y otro momento vital. En ese sentido, el show tuvo algo de manifiesto: no se trató de negar el pasado, sino de elegir desde dónde volver a cantarlo. Aun así, por más que el concepto de SAVING GRACE esté lejos de la reconstrucción nostálgica, hubo momentos en los que ciertas imágenes remitieron inevitablemente al Robert Plant de los setenta. No porque intentara imitarse a sí mismo —ese hubiera sido el camino más pobre—, sino porque hay gestos, colores vocales y formas de ocupar la escena que sobreviven al paso del tiempo. En algunos fraseos apareció todavía ese timbre reconocible, ese color de voz que puede estar más gastado, más grave o más contenido, pero que sigue teniendo una identidad imposible de confundir. La clave estuvo en que Plant no peleó contra sus posibilidades actuales: las usó. Rock & Roll, por ejemplo, no fue una carrera desesperada contra la versión original ni una prueba atlética para comprobar cuánto queda del cantante de Led Zeppelin IV (1971). Fue una adaptación inteligente, llevada hacia un terreno donde el pulso festivo permaneció, pero la exigencia física quedó acomodada a un cuerpo, una edad y una forma de decir completamente distintas.

También hubo una dimensión visual muy fuerte. Plant volvió a aparecer con esa imagen clásica que cualquier seguidor de LED ZEPPELIN reconoce de inmediato: el micrófono tomado con la mano izquierda, el cable estirado con la derecha, el cuerpo levemente inclinado, como si todavía estuviera midiendo la distancia entre la canción y el abismo. Esa figura ya no tiene la carga explosiva ni sexualizada de los setenta, claro, pero conserva algo igual de potente: una presencia escénica construida a partir de mínimos gestos. En canciones como Orphan Girl, incluso, esa presencia se volvió contemplativa. Plant no necesitó ocupar el centro todo el tiempo; por momentos se corrió, se puso en segundo plano y dejó que la canción respirara alrededor de Suzi Dian y de la banda. Ese gesto, lejos de achicarlo, lo agrandó: mostró a un artista que entiende cuándo empujar y cuándo escuchar.

El detalle de la armónica en el tercer tema también fue importante para leer esa continuidad. En Higher Rock, Plant no apareció solamente como voz principal, sino como un músico metido dentro de la textura general del grupo. La armónica no funcionó como adorno pintoresco ni como guiño bluesero de manual, sino como una pequeña descarga de raíz dentro de una canción que creció por acumulación, más por clima que por impacto. Ahí se vio otra forma de permanencia: el Plant actual no necesita recuperar la juventud para seguir conectado con aquel imaginario de blues, folk y música popular que siempre estuvo por debajo de LED ZEPPELIN. Lo que cambió fue la escala. Donde antes había conquista, ahora hay escucha; donde antes había exceso, ahora hay síntesis. Pero el hilo sigue estando ahí, tenso, visible y todavía cargado de electricidad.

El comienzo con The Very Day I’m Gone, Cuckoo y Higher Rock dejó claro desde el primer tramo que la noche no iba a funcionar como una administración prolija de clásicos. Robert Plant apareció parado en otro lugar: no como el cantante que viene a probar que todavía puede dominar el templo del rock, sino como un intérprete que entiende la canción como territorio de tránsito. La voz ya no busca el desborde físico de los años setenta, y eso, lejos de ser un problema, fue buena parte del sentido del concierto. Plant cantó desde la marca del tiempo, desde una aspereza que no intentó esconderse y que le dio a cada frase una autoridad distinta. En ese arranque, SAVING GRACE sostuvo una arquitectura de madera, pulso contenido y voces cruzadas donde Suzi Dian resultó fundamental: no fue una acompañante decorativa, sino una presencia que abrió el repertorio hacia el diálogo, la respuesta y la plegaria compartida.

La primera aparición de LED ZEPPELIN llegó con Ramble On, y ahí quedó expuesta la operación estética de la noche. El tema no apareció como una concesión nostálgica ni como el momento en que el público podía decir “ahora sí empezó el show”. En su versión original ya había viaje, pérdida, fantasía y movimiento; en el Gran Rex, esa matriz quedó despojada de parte de su musculatura eléctrica para acercarse a una canción de ruta, casi una balada errante atravesada por una memoria antigua. Plant no necesitó cantar como en Led Zeppelin II (1969) porque esa no era la apuesta. La apuesta fue demostrar que esas canciones todavía pueden decir algo cuando se las separa del mandato de sonar gigantes.

El acordeón de Suzi Dian reforzó esa lectura. Allí donde la memoria del tema podía pedir guitarra distorcionada, empuje rockero o nostalgia directa, el arreglo eligió otro camino: una textura más terrosa, más narrativa, casi de canción que se desplaza de lugar en lugar. Ese sonido ayudó a que Ramble On no quedara atrapada en la comparación con su versión original y encontrara una identidad propia dentro del concierto.

Después, As I Roved y Orphan Girl profundizaron el costado más tradicional y narrativo del concierto. La primera reforzó esa idea de música transmitida, de material que parece anterior a cualquier industria, mientras que la segunda llevó la noche hacia una intemperie emocional más directa. Orphan Girl funcionó como uno de esos momentos en los que el show achicó sus dimensiones: menos teatro, menos leyenda, más canción. La voz de Suzi Dian agregó una textura de compañía y desamparo al mismo tiempo, mientras Plant se movió con una expresividad seca, sin subrayados innecesarios. No hubo golpe bajo ni solemnidad impostada: hubo una tristeza clara, trabajada desde la melodía y desde el espacio que la banda dejó entre los instrumentos.

Four Winds Blow sostuvo esa lógica de viaje, pero con un pulso más abierto, como si el repertorio empezara a moverse desde la balada sombría hacia una zona de tránsito colectivo. Enseguida, Friends volvió a tender el puente con LED ZEPPELIN, aunque de una manera casi natural. No fue una canción “adaptada” al formato de SAVING GRACE: parecía haber pertenecido siempre a ese mundo. En su versión original, en Led Zeppelin III (1970), ya estaba esa marca acústica, circular, con resonancias orientales y una tensión distinta a la del hard rock más frontal. En el Gran Rex, esa dimensión apareció todavía más marcada. Plant la cantó con distancia y afecto, como si pudiera mirar su propio pasado sin arrodillarse frente a él. También ahí el acordeón de Suzi Dian resultó decisivo. Friends ya tenía desde su origen una relación natural con lo acústico, lo oriental y lo circular, pero esa intervención le dio una dimensión todavía más comunitaria. La canción dejó de sonar como una pieza recuperada del catálogo zeppeliano para convertirse en parte del tejido de la noche: una melodía conocida, sí, pero respirada desde otro lugar.

Con Beautiful Day, el concierto abrió una zona más luminosa, cercana a una psicodelia sin postal vintage. Fue un respiro dentro de una noche atravesada por canciones de pérdida, viaje, fe y memoria. Calling To You, en cambio, recuperó el costado más expansivo de la carrera solista de Plant: percusión, clima amplio y una energía que recordó que su historia después de LED ZEPPELIN no fue un apéndice sino un laboratorio. Ese tema funcionó como una bisagra importante, porque sacó al concierto de la falsa oposición entre “clásicos zeppelianos” y “canciones de raíz”. Plant viene cruzando esos mundos desde hace décadas; SAVING GRACE no aparece de la nada, sino como una consecuencia lógica de una búsqueda larga.

La inclusión de Angel Dance también reforzó esa continuidad. Ese tema, asociado a la etapa de Band of Joy (2010), conecta directamente con el Plant que en el siglo XXI se dedicó a revisar músicas estadounidenses, folk, country, gospel y rock de frontera sin quedar encerrado en el pasado británico. En vivo, la canción aportó movimiento y soltura, una energía terrenal que preparó muy bien el terreno para For The Turnstiles, de NEIL YOUNG. Ahí apareció otra de las claves del repertorio: Plant no eligió versiones para exhibir buen gusto, sino para armar una autobiografía indirecta. NEIL YOUNG, LOW, las canciones tradicionales y LED ZEPPELIN conviven porque todas responden a una misma obsesión: la canción como resto, como huella, como algo que sobrevive cuando se apagan las luces grandes.

El cierre del segmento principal del show con Rock & Roll fue, por eso mismo, mucho más interesante que un simple golpe para levantar al público. En cualquier otro contexto, ese tema podría funcionar como el botón rojo de la nostalgia, el momento en que todo se vuelve estadio aunque el show esté adentro de un teatro. Pero en manos de SAVING GRACE, Rock & Roll no apareció como una reconstrucción del poder original de Led Zeppelin IV (1971), sino como una celebración desplazada. La canción conservó su pulso festivo, pero perdió el mandato de sonar como un tema que te pasa por arriba. Aun así, la versión no perdió carácter rockero. Más bien lo desplazó hacia otro tipo de intensidad: menos músculo juvenil, menos vértigo físico, pero con una base firme, una respiración colectiva y una energía de banda que impidieron que el tema quedara reducido a una relectura amable. Fue menos una demostración de fuerza que una forma de convivencia entre el pasado y el presente: Plant reconoció el himno, lo dejó entrar, pero no le entregó el control absoluto de la noche.

El aporte del acordeón volvió a ser importante para que esa operación funcionara. En Rock & Roll, quizás más que en cualquier otra canción de LED ZEPPELIN, el riesgo era que el tema quedara sometido a la comparación directa con la versión original. Pero el arreglo eligió desarmar esa expectativa desde el comienzo: mantuvo el pulso festivo y el carácter rockero, aunque lo desplazó hacia una celebración más orgánica, menos atlética, más apoyada en la energía de conjunto que en la velocidad o el volumen.

Los bises terminaron de ordenar el sentido del concierto. Going To California llevó al Gran Rex hacia uno de los costados más delicados del universo zeppeliano: no el del trueno, sino el de la búsqueda, la partida, la fragilidad melódica. Si Rock & Roll había permitido cerrar el cuerpo principal con una descarga más física, Going To California abrió una zona de emoción suspendida, casi como si el teatro respirara más bajo. El público la recibió como se reciben esas canciones que ya no pertenecen solamente a una banda o a un disco, sino a una memoria colectiva. Pero el formato la corrió de lugar: no sonó como postal nostálgica, sino como una canción viva, atravesada por otro cuerpo, otra edad y otra forma de decir.

En Going To California, el acordeón terminó de subrayar la fragilidad del momento. La canción, ya de por sí una de las más delicadas del universo zeppeliano, encontró en ese color una forma de nostalgia menos obvia, más cercana a la evocación que al recuerdo literal. No fue una postal acústica ni una recreación reverente: fue una lectura desde el presente, con Plant cantando desde otro cuerpo y Suzi Dian abriendo alrededor una atmósfera de viaje, distancia y memoria.

Y entonces llegó el gesto final: Everybody’s Song, de LOW. En vez de cerrar con LED ZEPPELIN, Plant eligió terminar con una canción contemporánea, oscura, lenta y espiritual. Esa decisión evitó que la noche quedara reducida al impacto emocional de Going To California y devolvió el foco al presente artístico de SAVING GRACE. Fue una salida elegante y muy coherente: después de haber usado el pasado como una fuente, no como una jaula, el concierto terminó mirando hacia otro lado. No hacia el estadio imposible, no hacia el archivo dorado, sino hacia una canción que todavía puede ser descubierta.

La elección fue muy precisa. En su letra, Everybody’s Song no trabaja la idea de una canción universal desde la celebración fácil, sino desde una zona mucho más amarga: habla de espera, desgaste, corazones rotos y de una especie de canto común que no necesariamente une, sino que también expone la fragilidad compartida. Ese “canto de todos” no aparece como himno luminoso, sino como algo que puede quebrar, incomodar y dejar a cada uno frente a su propia intemperie. Por eso el final tuvo más peso que un simple cierre anticlimático. Veníamos de Going To California, una de esas canciones capaces de activar una emoción inmediata en cualquier público zeppeliano, y Plant podría haber terminado ahí, dejando que la nostalgia hiciera el trabajo sucio con una eficacia impecable. Pero eligió seguir un paso más, y ese paso cambió la lectura de toda la noche.

Everybody’s Song funcionó como una salida del hechizo: no para romperlo, sino para impedir que el concierto quedara reducido a la conmoción reconocible del pasado. La canción de LOW, con su insistencia sobre la espera y el corazón de todos puesto en tensión, devolvió el foco al presente artístico de SAVING GRACE. Como si Plant dijera que la memoria importa, claro, pero que todavía hay otras heridas, otras voces y otras canciones capaces de cerrar una noche. Ahí también apareció la identidad más profunda de SAVING GRACE: no como refugio nostálgico, sino como laboratorio de memoria. Plant no cantó esas versiones para demostrar buen gusto ni para armar una playlist elegante de raíces, sino para construir una autobiografía indirecta.

Ahí estuvo la verdadera tensión de la noche. Robert Plant podría haber construido el show alrededor de la expectativa más obvia y nadie se habría quejado demasiado. Pero eligió otra cosa: hacer que Ramble On, Friends, Rock & Roll y Going To California convivieran con canciones tradicionales, folk estadounidense, NEIL YOUNG, LOW y su propia historia solista. No hubo una carrera contra la leyenda, sino una forma más profunda de leerla. Plant pareció decir, sin necesidad de explicarlo, que LED ZEPPELIN no nació de la nada; que antes del trueno ya estaban la tierra, la voz, el viaje, la pérdida y la canción transmitida de boca en boca. Y que, incluso después de haber llenado el mundo de electricidad, todavía queda algo por buscar en una madera, una respiración y una melodía antigua.

Por eso el Gran Rex no se sintió como una escala menor frente al estadio imposible, sino como el espacio lógico para esta etapa. Allí donde otros buscarían ampliar la sombra del mito, Robert Plant achicó la distancia con la canción y también con el público. Lo hizo desde el repertorio, desde el formato y desde un humor visible, casi doméstico, con chistes sobre la vejez y el paso del tiempo que evitaron cualquier solemnidad innecesaria. En ese movimiento, lejos de cualquier renuncia, hubo una afirmación artística concreta: el pasado puede ser enorme, sí, pero todavía no tiene por qué ser una cárcel.

Texto: Carlos Noro

Fotos: Vicky Dragonetti (Producción)

Agradecemos a DF Entertainment y Gomez Caje Prensa por la acreditación al evento. 

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