DEF LEPPARD y EXTREME en vivo en Argentina: “El arte de envejecer sin perder la pasión”

El paso del tiempo suele convertirse en una preocupación inevitable para las bandas que construyeron su identidad durante las décadas de mayor popularidad del hard rock. La exigencia física, las transformaciones vocales, las expectativas de un público que pretende recuperar emociones de su juventud y la necesidad de sostener una propuesta artística después de tantos años plantean desafíos que no siempre encuentran respuestas satisfactorias. Sin embargo, existen diferentes maneras de convivir con esa historia sin transformarla en una carga. EXTREME y DEF LEPPARD ofrecieron en el Movistar Arena de Buenos Aires dos ejemplos particularmente interesantes de esa relación entre experiencia, vigencia y pasión musical. Los estadounidenses apostaron por una exhibición extraordinaria de precisión instrumental, despliegue físico y virtuosismo, mientras que los británicos construyeron un espectáculo monumental alrededor de las armonías vocales, la tecnología y una colección de canciones que atravesaron generaciones. Dos concepciones diferentes del hard rock, dos maneras de relacionarse con el escenario y una misma certeza: después de varias décadas, la música todavía puede representar mucho más que la administración de un pasado exitoso.

EXTREME: cuatro músicos, dos atletas y una precisión extraordinaria

Hay bandas cuya trayectoria y dimensión musical vuelven difícil comprenderlas en un papel secundario, incluso cuando las circunstancias de una gira las colocan en esa posición. EXTREME pertenece a ese grupo de formaciones que desarrollaron una identidad tan particular que cualquier presentación suya parece merecer un espacio propio, independientemente del nombre que aparezca encabezando el cartel. La banda estadounidense construyó su reputación alrededor de una combinación poco frecuente de hard rock, funk, sofisticación armónica y virtuosismo instrumental, pero también mediante una concepción del espectáculo en la que la técnica nunca termina de separarse del entretenimiento. Su presentación en Buenos Aires permitió comprobar hasta qué punto esas características permanecen intactas y, en algunos aspectos, parecen haberse profundizado con los años. Porque si algo quedó claro durante su actuación fue que Gary Cherone, Nuno Bettencourt, Pat Badger y Kevin Figueiredo continúan funcionando como una unidad musical extraordinariamente precisa, capaz de ejecutar composiciones de enorme complejidad sin sacrificar espontaneidad, energía ni comunicación con el público.

La condición de invitados quedó expuesta desde el comienzo por una circunstancia tan llamativa como incómoda: las luces generales del Movistar Arena permanecieron encendidas durante toda la presentación de EXTREME. La decisión estableció una diferencia evidente respecto del tratamiento escénico reservado para el número principal (algo que Nuno comentó irónicamente en un momento del set) y privó a la banda de una parte importante de las posibilidades visuales que ofrece un recinto de esas características. Sin embargo, también produjo un contraste interesante, porque mientras el entorno parecía insistir en recordar su condición secundaria, lo que sucedía sobre el escenario demostraba exactamente lo contrario. El sonido fue extraordinariamente claro y contundente, con una definición que permitió apreciar cada intervención instrumental y cada una de las complejas relaciones que sostienen las composiciones del grupo. Lejos de necesitar una producción visual desmesurada para capturar la atención, EXTREME construyó su espectáculo alrededor de la ejecución musical y de la presencia escénica de sus integrantes. En ese contexto, la ausencia de una iluminación apropiada terminó convirtiéndose casi involuntariamente en una demostración de fortaleza: cuatro músicos fueron suficientes para sostener una presentación de enorme intensidad, incluso cuando las condiciones visuales parecían jugar en su contra.

Desde los primeros movimientos de Decadence Dance quedó en evidencia que el grupo conserva una capacidad extraordinaria para combinar precisión y movimiento. Gary Cherone se comportó como un verdadero atleta del escenario, desplazándose de un extremo al otro, realizando movimientos acrobáticos y utilizando su cuerpo como una herramienta expresiva que parecía acompañar cada cambio de intensidad de las canciones. Su presencia escénica conserva algo del espíritu expansivo de los grandes cantantes de hard rock de los años ochenta, pero también una teatralidad personal que evita convertir sus movimientos en una simple reproducción de gestos heredados. Cherone canta, baila, salta, se contorsiona y mantiene una comunicación permanente con el público, sin que esa actividad física termine por comprometer seriamente su desempeño vocal. A su lado, Nuno Bettencourt ofreció otra forma de atletismo, menos evidente desde lo corporal pero igualmente exigente: la de un guitarrista que parece desafiar constantemente las posibilidades físicas de su instrumento. La cantidad de notas, la velocidad de ejecución y la complejidad de sus arreglos podrían conducir fácilmente a una exhibición desordenada, pero Bettencourt consigue que incluso los pasajes más exigentes conserven una claridad extraordinaria. Cada frase parece ocupar exactamente el lugar que necesita dentro de la composición, como si la velocidad no representara un objetivo en sí mismo, sino una herramienta más dentro de un vocabulario musical mucho más amplio.

La actuación también permitió apreciar la importancia de Pat Badger y Kevin Figueiredo, dos músicos cuya participación resulta fundamental para que semejante despliegue instrumental no termine transformándose en una sucesión de demostraciones individuales. El bajo de Badger aporta una base rítmica indispensable para comprender la relación de EXTREME con el funk, mientras que Figueiredo sostiene las composiciones con una combinación de contundencia, precisión y dinamismo que permite atravesar cambios de ritmo y estructuras complejas sin perder fluidez. En una banda donde el guitarrista y el cantante concentran inevitablemente buena parte de las miradas, la sección rítmica cumple una función que excede ampliamente el acompañamiento: organiza el movimiento interno de las canciones y proporciona el espacio necesario para que los demás instrumentos puedan desarrollar sus intervenciones. También resultó especialmente destacable el trabajo vocal de Bettencourt, cuyos coros y armonizaciones constituyen una parte esencial del sonido del grupo. Su capacidad para alternar pasajes guitarrísticos de enorme dificultad con intervenciones vocales precisas vuelve todavía más notable una actuación que, por momentos, parecía desafiar cualquier idea razonable sobre las posibilidades de ejecución simultánea.

Las composiciones más recientes confirmaron que EXTREME no necesita depender exclusivamente de su repertorio histórico para justificar su vigencia. #REBEL y BANSHEE, pertenecientes a Six, demostraron que la banda conserva una identidad reconocible sin quedar atrapada en las fórmulas que definieron sus primeros años. El sonido mantiene la contundencia del hard rock, pero incorpora una agresividad contemporánea y una elaboración rítmica que permite reconocer una evolución antes que un simple intento de recuperar el pasado. Bettencourt encuentra en esas canciones un territorio especialmente fértil para desplegar una técnica que combina velocidad, precisión, sentido melódico y una comprensión muy particular del ritmo. Cherone, por su parte, adapta su interpretación a composiciones más ásperas sin abandonar el carácter teatral que siempre distinguió su desempeño. La respuesta del público confirmó que ese material puede convivir naturalmente con los clásicos, algo que no siempre sucede con las bandas de trayectoria extensa, especialmente cuando buena parte de sus asistentes se acerca al espectáculo esperando escuchar canciones asociadas con determinados momentos de su vida.

Uno de los momentos más impresionantes llegó con Play With Me, precedida por una referencia a We Will Rock You de QUEEN, una introducción que funcionó como un guiño a otra tradición del rock de estadios antes de desembocar en una composición que exige una coordinación instrumental extraordinaria. La canción, con sus cambios de intensidad, su carácter casi frenético y sus pasajes guitarrísticos de enorme dificultad, permitió apreciar una vez más la precisión colectiva del grupo. Pero fue especialmente el solo final de Nuno Bettencourt el que terminó por convertirse en una demostración de virtuosismo difícil de discutir. La velocidad de sus movimientos no impidió que cada nota conservara definición y sentido dentro de una secuencia que podría haber derivado fácilmente en una acumulación caótica de recursos técnicos. En sus manos, sin embargo, la guitarra parece responder a una lógica musical perfectamente organizada, incluso cuando la ejecución alcanza niveles de complejidad que para la mayoría de los instrumentistas resultarían prácticamente inaccesibles. Lo verdaderamente extraordinario no fue solamente la dificultad de lo que estaba tocando, sino la naturalidad con la que consiguió hacerlo, como si semejante despliegue formara parte de una conversación cotidiana con su instrumento.

La presentación también encontró momentos de intimidad que permitieron descubrir otra dimensión de EXTREME. Hole Hearted marcó el comienzo de un segmento acústico en el que los cuatro músicos se acercaron al borde del escenario, modificando completamente la disposición habitual de la banda y generando una relación mucho más directa con el público. Incluso Kevin Figueiredo abandonó su posición tradicional detrás de la batería para participar de pie, utilizando recursos percusivos reducidos, entre ellos el bombo y los platos. La escena resultó especialmente interesante porque demostró que la precisión colectiva del grupo no depende exclusivamente de la potencia eléctrica ni de una infraestructura instrumental compleja. Por el contrario, al reducir los elementos disponibles, las canciones dejaron todavía más expuesta la calidad de las voces, la coordinación rítmica y la sensibilidad de los arreglos. En ese contexto, el repertorio adquirió una cercanía que contrastó con el despliegue físico y la intensidad de los momentos anteriores, sin que la presentación perdiera continuidad ni energía.

Nuno Bettencourt protagonizó otro momento especialmente significativo durante su interpretación solista de Midnight Express. Antes de comenzar, bromeó sobre el paso de los años y la necesidad de sentarse para tocar, introduciendo con humor una reflexión que terminó adquiriendo una dimensión mucho más profunda. Después preguntó cuántos guitarristas había entre los asistentes y, frente a las respuestas del público, les recordó que ellos representaban el futuro de la música. La frase podría haber sonado como uno de esos lugares comunes que suelen utilizar los músicos consagrados para establecer una conexión afectiva con sus seguidores, pero en ese contexto adquirió una resonancia particular. Bettencourt acababa de ofrecer una exhibición técnica extraordinaria y, sin embargo, encontraba un momento para desplazar la atención hacia quienes todavía estaban aprendiendo a tocar. La escena reveló una relación con la música que no se agota en la competencia ni en la demostración de superioridad instrumental, sino que reconoce la importancia de la transmisión, la inspiración y la continuidad generacional. Su interpretación posterior confirmó que el virtuosismo puede convivir con una sensibilidad melódica notable, especialmente cuando la técnica se encuentra subordinada a una idea musical y no a la necesidad de impresionar permanentemente.

La llegada de More Than Words produjo una de las respuestas colectivas más intensas de la presentación. La canción, que durante décadas permitió que EXTREME alcanzara una popularidad mucho más amplia que la habitual para una banda de hard rock de sus características, conserva una capacidad extraordinaria para transformar un recinto de grandes dimensiones en un espacio de participación compartida. Miles de personas acompañaron las melodías y terminaron por convertir la interpretación en un canto colectivo, mientras la banda administraba con inteligencia la relación entre sus propias voces y las del público. Pero reducir More Than Words a una balada exitosa implicaría desconocer una parte importante de su singularidad: la aparente sencillez de la composición esconde un trabajo de armonización vocal y una sensibilidad rítmica que explican por qué continúa funcionando después de tantos años. En una presentación dominada por guitarras de enorme complejidad y una actividad física casi ininterrumpida, ese momento permitió comprobar que EXTREME también puede construir intensidad mediante la contención y el silencio relativo, dos recursos que requieren tanta seguridad musical como la velocidad o la potencia.

El regreso a los terrenos más eléctricos encontró en Flight of the Wounded Bumblebee, Get the Funk Out y RISE nuevas oportunidades para comprobar la extraordinaria capacidad instrumental de la banda. La primera, con su carácter vertiginoso y su complejidad guitarrística, volvió a colocar a Bettencourt en el centro de la atención, mientras que Get the Funk Out recuperó esa combinación de hard rock y funk que constituye uno de los rasgos más personales de EXTREME. Allí, el trabajo de Pat Badger adquirió una importancia particular, porque el movimiento del bajo resulta indispensable para comprender una composición cuya energía surge tanto de la contundencia eléctrica como de su groove rítmico. RISE, por su parte, volvió a demostrar que el grupo conserva capacidad para producir material nuevo con identidad propia, sin necesidad de apoyarse exclusivamente en los recursos que le dieron popularidad décadas atrás. La convivencia entre canciones de diferentes etapas terminó construyendo una imagen coherente de una banda que, más allá de las transformaciones de la industria y de su propia trayectoria, continúa reconociéndose en una manera particular de entender la música.

Uno de los pasajes más emotivos estuvo dedicado a Ozzy Osbourne, cuya influencia sobre generaciones de músicos de hard rock y heavy metal resulta imposible de exagerar. EXTREME construyó un homenaje a partir de fragmentos de I Don’t Know, Bark at the Moon y Crazy Train, tres composiciones que permitieron recorrer diferentes momentos de la carrera solista del cantante británico. Lo más destacable fue la decisión de Nuno Bettencourt de reproducir con extraordinaria fidelidad los solos originales de Randy Rhoads y Jake E. Lee, evitando convertir el tributo en una oportunidad para imponer su propio estilo sobre composiciones ajenas. En un guitarrista cuya personalidad musical resulta tan reconocible, esa elección adquirió un significado especial: lejos de utilizar su virtuosismo para competir simbólicamente con quienes habían creado aquellos pasajes, Bettencourt optó por respetar sus frases, sus estructuras y su identidad. El resultado fue un homenaje sincero, construido desde la admiración y el reconocimiento de una tradición musical que también forma parte de la historia de EXTREME. La precisión técnica volvió a estar presente, pero esta vez puesta al servicio de la memoria y del respeto por otros músicos.

Al finalizar la presentación quedó una sensación difícil de ignorar: EXTREME había ofrecido un espectáculo de una calidad instrumental extraordinaria, incluso bajo condiciones escénicas que parecían empeñadas en recordar su condición de banda invitada. Las luces generales encendidas durante toda la actuación, lejos de impedir que los músicos capturaran la atención, terminaron reforzando la impresión de que la verdadera dimensión del grupo se encuentra en sus propias capacidades. Gary Cherone y Nuno Bettencourt funcionaron como dos atletas de disciplinas diferentes, uno desde el movimiento corporal y la interpretación vocal, el otro desde una ejecución guitarrística de precisión asombrosa, mientras Pat Badger y Kevin Figueiredo sostuvieron una estructura colectiva sin la cual semejante despliegue habría perdido buena parte de su sentido. Cuatro músicos, una identidad artística construida durante décadas y una convicción que parece mantenerse intacta: el hard rock todavía puede ser un territorio de exploración, exigencia y entusiasmo. La técnica, cuando está acompañada por imaginación y sensibilidad, no representa una exhibición vacía, sino una forma particularmente intensa de expresar amor por la música.

DEF LEPPARD: los chicos de Sheffield todavía aman el rock

Hay bandas que utilizan la tecnología para ampliar las posibilidades de su espectáculo y otras que han construido buena parte de su identidad alrededor de ella. DEF LEPPARD pertenece indudablemente al segundo grupo. Su historia resulta indisociable de las producciones desmesuradas, las guitarras multiplicadas en capas, las armonías vocales cuidadosamente elaboradas y una búsqueda permanente de perfección sonora que encontró en los estudios de grabación de los años ochenta un territorio ideal para desarrollar una concepción del hard rock tan ambiciosa como sofisticada. La sociedad creativa con el productor Robert John “Mutt” Lange, especialmente durante la elaboración de Pyromania (1983) y Hysteria (1987), no solamente modificó el sonido de la banda, sino que contribuyó a establecer un modelo de producción que terminaría influyendo sobre buena parte del rock de estadios de las décadas siguientes. Aquella obsesión por los detalles, por la superposición de instrumentos y voces y por la construcción de canciones capaces de combinar contundencia eléctrica con una sensibilidad melódica cercana al pop encontró, con el desarrollo de las tecnologías audiovisuales, una prolongación natural sobre los escenarios. En ese sentido, las pantallas gigantes, las imágenes de enorme definición, los efectos visuales y los recursos escénicos no representan un complemento decorativo, sino una extensión de la misma filosofía que convirtió a DEF LEPPARD en uno de los nombres fundamentales del hard rock. Su presentación en el Movistar Arena de Buenos Aires volvió a confirmar que, para los británicos, la espectacularidad no constituye un agregado superficial, sino una parte esencial de su lenguaje artístico.

La aparición de los cinco integrantes sobre el escenario respondió a esa concepción, aunque también introdujo una imagen cargada de significado histórico. Joe Elliott, Phil Collen, Vivian Campbell, Rick Savage y Rick Allen se presentaron alineados, uno junto al otro, como si aquella disposición contuviera una declaración de principios tan sencilla como contundente: acá estamos. Pero esas dos palabras adquirían un significado mucho más profundo cuando se consideraba la historia de una banda que debió sobreponerse a acontecimientos capaces de poner en peligro su propia continuidad. Allí estaba Rick Allen, el baterista que perdió su brazo izquierdo en un accidente automovilístico ocurrido en diciembre de 1984 y que, lejos de abandonar la música, debió reinventar completamente su manera de tocar mediante un sistema de batería adaptado que incorporó pedales electrónicos para reemplazar parte de los movimientos de su brazo perdido. También estaba presente, inevitablemente, la ausencia de Steve Clark, guitarrista fundamental en la construcción del sonido del grupo, fallecido en enero de 1991 a los treinta años después de una prolongada lucha contra el alcoholismo, una pérdida que obligó a sus compañeros a reconstruir no solamente su funcionamiento musical, sino también una parte esencial de su identidad. Rick Savage, uno de los históricos atravesó una parálisis facial a mediados de los noventas, mientras que Vivian Campbell, incorporado en 1992, también había atravesado su propia batalla contra el cáncer, diagnosticado en 2013. Al mismo tiempo Joe Elliott debió enfrentar los desafíos vocales de una trayectoria extraordinariamente exigente. Aquellos cinco músicos alineados representaban mucho más que la continuidad de una banda exitosa: eran la expresión de una historia colectiva construida también sobre las pérdidas, la adaptación y la voluntad de seguir adelante. Por eso, antes de que la monumental maquinaria audiovisual comenzara a desplegar todos sus recursos, aquella imagen parecía resumir décadas de acontecimientos en una afirmación tan sencilla como poderosa: acá estamos, a pesar de todo.

La elección de Rejoice para abrir el concierto dejó en claro que DEF LEPPARD no estaba dispuesto a presentarse exclusivamente como una banda dedicada a administrar su pasado. El grupo defendió su actualidad musical con convicción, otorgándole espacio a composiciones recientes y a diferentes períodos de su trayectoria, aunque el contraste con los grandes clásicos resultó inevitable. No se trató necesariamente de una diferencia de calidad interpretativa, sino de algo bastante más complejo: el peso emocional que determinadas canciones acumulan después de décadas de circulación, apropiaciones personales y experiencias compartidas. Mientras el material menos conocido encontró una recepción más contenida, la aparición de Animal y Let’s Get Rocked produjo un cambio perceptible en el comportamiento del público, como si el espectáculo comenzara a conectarse con una memoria musical que hasta entonces permanecía expectante. A medida que avanzó el repertorio y comenzaron a sucederse algunas de las composiciones más reconocibles del grupo, la euforia creció a pasos agigantados, alimentada por estribillos que miles de personas podían cantar sin esfuerzo y por una maquinaria sonora y visual concebida precisamente para potenciar esa respuesta colectiva. En ese terreno, DEF LEPPARD conserva una capacidad extraordinaria: transformar canciones construidas con una precisión casi obsesiva en experiencias multitudinarias que parecen funcionar de manera espontánea, aunque detrás de ellas exista una arquitectura de arreglos, armonías vocales y recursos tecnológicos cuidadosamente elaborada.

Uno de los aspectos más sobresalientes de la presentación fue el extraordinario trabajo vocal de DEF LEPPARD, una característica que permite comprender por qué su música continúa resultando tan reconocible después de casi cinco décadas. Las armonizaciones, los coros y las diferentes voces que se superponen alrededor de las melodías principales constituyen una parte esencial de su identidad, tanto como los riffs de guitarra o la contundencia de la batería. En Buenos Aires, ese entramado funcionó con una precisión notable, reproduciendo buena parte de la complejidad de unas composiciones que originalmente fueron construidas mediante una elaboración de estudio casi obsesiva. Pero lo más interesante fue comprobar que, a diferencia de tantas formaciones en las que el protagonismo se concentra en una o dos figuras, DEF LEPPARD transmite la sensación de que sus cinco integrantes son igualmente importantes para el funcionamiento del espectáculo. Cada uno encuentra momentos para ocupar el centro de la escena y aportar algo distintivo, sin que esa distribución del protagonismo comprometa la cohesión colectiva. En Animal, por ejemplo, esa construcción resultó especialmente evidente. La canción se sostiene sobre un equilibrio extraordinario entre el pulso de Rick Allen, las líneas de bajo de Rick Savage, las guitarras de Phil Collen y Vivian Campbell y una sucesión de armonías vocales que amplifican la melodía principal de Joe Elliott hasta convertirla en un estribillo de dimensiones monumentales. Savage, además de proporcionar una base rítmica sólida, participa activamente de las voces, mientras que Collen y Campbell alternan sus funciones instrumentales con intervenciones vocales fundamentales para reproducir la riqueza de los arreglos originales. Lo que podría parecer una estructura relativamente sencilla revela, cuando se presta atención a sus diferentes capas, una sofisticación considerable. Esa capacidad para hacer que composiciones de enorme elaboración técnica resulten inmediatas y accesibles representa uno de los grandes logros históricos de DEF LEPPARD.

Joe Elliott ofreció una actuación vocal sólida, aunque inevitablemente condicionada por el paso del tiempo, una circunstancia que supo administrar con inteligencia y oficio. Pretender que a sus 67 años reproduzca las mismas condiciones vocales que exhibía durante las grabaciones de Pyromania o Hysteria supondría desconocer tanto las transformaciones naturales de la voz humana como las exigencias extraordinarias de un repertorio concebido en una época en la que la banda buscaba llevar las posibilidades del estudio de grabación hasta sus últimas consecuencias. Lejos de intentar alcanzar permanentemente registros que hoy podrían comprometer la estabilidad de sus interpretaciones, Elliott adaptó las melodías a sus posibilidades actuales, administró las intensidades y encontró en el fraseo, la experiencia y el conocimiento profundo de las canciones los recursos necesarios para sostener una presentación convincente. Su desempeño también permitió apreciar hasta qué punto la identidad vocal de DEF LEPPARD nunca dependió exclusivamente de su cantante, sino de un trabajo colectivo de armonías y coros que constituye una de las características más reconocibles de la banda. Las voces de Phil Collen, Vivian Campbell y Rick Savage continúan siendo fundamentales para reproducir en directo aquellas construcciones melódicas que, en los discos, surgieron de una elaboración minuciosa y de múltiples capas de grabación. El resultado fue una interpretación que no pretendió detener el tiempo, sino encontrar una manera musicalmente efectiva de convivir con él. Porque envejecer dentro del rock no debería significar necesariamente perder intensidad, sino aprender a expresarla de otra manera.

La interpretación de Personal Jesus, original de DEPECHE MODE, permitió apreciar otra dimensión de esa identidad. Lejos de limitarse a reproducir el arreglo de la banda británica, DEF LEPPARD trasladó la composición a su propio universo sonoro, reforzando el protagonismo de las guitarras, la contundencia rítmica y, especialmente, el trabajo de las voces. La estructura repetitiva y el pulso casi hipnótico de la canción encontraron una nueva expresión dentro de una estética más vinculada con el hard rock, sin que por eso desapareciera la tensión sensual y oscura que caracteriza a la versión original. La adaptación funcionó especialmente bien porque ambas bandas, aunque provenientes de tradiciones diferentes, comparten una comprensión profunda de la importancia del ritmo, la producción y las melodías capaces de instalarse inmediatamente en la memoria. Phil Collen y Vivian Campbell aportaron una presencia guitarrística que modificó el carácter de la composición, mientras que Rick Savage y Rick Allen sostuvieron una base sólida sobre la que las voces pudieron desplegar las armonías características del grupo. Fue una gran versión, no solamente por su ejecución, sino porque consiguió algo que no siempre ocurre con las reinterpretaciones: hacer que una canción ajena pareciera formar parte naturalmente del repertorio de quien la estaba tocando. En una banda cuya personalidad musical está tan fuertemente definida, esa capacidad de apropiación representa una virtud considerable.

Algo semejante ocurrió con Rocket, una composición que permite apreciar especialmente la importancia de la producción y la organización del sonido dentro del universo musical del grupo. Su estructura, construida sobre un pulso hipnótico, guitarras que aparecen y desaparecen dentro de la mezcla y voces que se multiplican en diferentes planos, encontró una prolongación natural en el despliegue audiovisual del concierto. Allí, Rick Allen volvió a demostrar que su manera de tocar no necesita apoyarse en una acumulación de golpes para resultar contundente: su precisión, su capacidad para sostener el pulso y la particular configuración de su batería forman parte inseparable del sonido de la banda. A su alrededor, Savage, Collen y Campbell construyeron un entramado instrumental que permitió que las armonías vocales adquirieran todo su protagonismo. La canción también mostró hasta qué punto DEF LEPPARD comprende el escenario como una extensión de sus grabaciones, con una puesta visual que acompaña la arquitectura de la composición en lugar de limitarse a decorarla. Las pantallas, lejos de funcionar únicamente como un recurso para amplificar la imagen de los músicos, se integraron a una experiencia en la que el sonido, las luces y las imágenes parecían formar parte de una misma construcción estética.

Uno de los momentos más sorprendentes de la noche llegó durante Rock On, la canción de David Essex que DEF LEPPARD incorporó a su propio repertorio, cuando Joe Elliott abandonó el escenario principal y apareció cantando desde una de las salidas de la platea alta del Movistar Arena, alterando por completo la distribución habitual del espectáculo y provocando la sorpresa de quienes, de pronto, descubrieron al cantante a pocos metros de sus ubicaciones. En una presentación caracterizada por el despliegue tecnológico, las pantallas monumentales y una puesta cuidadosamente planificada, aquel desplazamiento introdujo una dimensión de cercanía inesperada, como si Elliott quisiera recordar que detrás de toda esa maquinaria audiovisual todavía existe una banda de rock que disfruta del contacto directo con su público. El gesto también encontró una resonancia particular en las palabras que había pronunciado anteriormente, cuando evocó los comienzos del grupo en Sheffield, a fines de los años setenta, y aquellas reuniones en una habitación, cuando eran apenas unos adolescentes que compartían discos, sueños y la ilusión de formar una banda. Fundada en 1977, DEF LEPPARD estaba a punto de cumplir medio siglo de historia, una distancia temporal que Elliott pareció contemplar con una mezcla de sorpresa y gratitud. El cantante recordó lo inimaginable que hubiera resultado entonces pensar que aquellos jóvenes terminarían recorriendo el mundo y tocando sus canciones frente a miles de personas en lugares tan distantes de su ciudad natal como Buenos Aires. La reflexión, lejos de sonar como uno de esos discursos rutinarios que suelen repetirse durante las giras internacionales, pareció revelar una gratitud genuina frente a una historia que superó ampliamente cualquier expectativa juvenil.

La interpretación de Slang, perteneciente al disco homónimo de 1996, introdujo otro de los momentos particulares de la noche, tanto por su propuesta musical como por lo que ocurrió sobre el escenario y entre el público. La canción representa una etapa singular en la trayectoria de DEF LEPPARD, cuando la banda intentó apartarse parcialmente de las producciones monumentales que habían definido su identidad durante los años ochenta para explorar un sonido más directo, rítmico y atravesado por otras influencias. En Buenos Aires, su interpretación adquirió un atractivo adicional con la participación de Nuno Bettencourt, que regresó para compartir ese momento con los músicos de la banda principal. La presencia del guitarrista de EXTREME permitió reunir sobre el mismo escenario dos maneras diferentes, aunque complementarias, de comprender el hard rock, con una sensibilidad rítmica que encuentra puntos de contacto entre ambas propuestas. Pero la sorpresa no terminó allí: Joe Elliott abandonó el espacio habitual del escenario y avanzó hasta la valla que separaba el campo trasero del sector VIP, acercándose a una parte del público que, por la propia distribución del recinto, suele permanecer más alejada de los músicos. Después de haber aparecido también en una de las salidas de la platea alta durante Rock On, este nuevo desplazamiento confirmó que, detrás de una puesta audiovisual extraordinariamente planificada, todavía existía espacio para generar situaciones de proximidad y romper momentáneamente las distancias que impone un espectáculo de estas características. La paradoja resultaba interesante: una banda que convirtió la producción tecnológica en una de sus principales señas de identidad encontraba algunos de sus momentos más humanos cuando su cantante abandonaba el centro del escenario para acercarse físicamente a quienes habían ido a escuchar sus canciones.

En Promises, perteneciente a Euphoria (1999), volvió a sobresalir la capacidad de los músicos para construir melodías colectivas a partir de voces individuales. La canción recupera buena parte de las características que hicieron reconocible al grupo durante su período de mayor popularidad: guitarras de enorme presencia, un estribillo expansivo y armonías que multiplican la fuerza de la voz principal. Phil Collen y Vivian Campbell demostraron una complementariedad instrumental que evita convertir la convivencia de dos guitarristas en una competencia permanente. Ambos poseen personalidades diferentes, pero encuentran en la distribución de riffs, arreglos y solos una manera de enriquecer las canciones sin saturarlas. Esa misma lógica se extiende a las voces, donde cada intervención contribuye a construir un resultado colectivo que termina siendo mucho más importante que cualquiera de sus partes. La participación de Rick Savage también resultó fundamental, tanto por su aporte instrumental como por su presencia vocal, mientras que Rick Allen sostuvo la estructura rítmica con una precisión que constituye una de las marcas registradas de la banda. En ese funcionamiento colectivo reside buena parte de la explicación de la permanencia de DEF LEPPARD: cinco músicos que, después de décadas de convivencia artística, continúan encontrando en la suma de sus individualidades una fuerza mayor que la de cualquiera de ellas por separado.

A medida que avanzaba el concierto, el contraste entre las composiciones menos conocidas y los grandes clásicos se volvió cada vez más evidente. DEF LEPPARD defendió su presente con convicción, pero la aparición de canciones como Animal, Armageddon It, Love Bites, Photograph, Hysteria y Pour Some Sugar on Me provocó un crecimiento exponencial de la euforia colectiva. No es casualidad que buena parte de ese repertorio haya conseguido trascender las fronteras del hard rock para instalarse en la cultura popular: la banda desarrolló una fórmula musical extraordinariamente efectiva en la que la contundencia de las guitarras convive con la inmediatez del pop, los estribillos monumentales, las armonías vocales y una sensualidad que atraviesa tanto las letras como la construcción rítmica de las canciones. Animal conserva una pulsión física y un carácter seductor que encuentran en el movimiento de las guitarras y en el fraseo de Joe Elliott sus principales herramientas expresivas; Armageddon It combina una cadencia casi bailable con una estructura de hard rock perfectamente reconocible; Love Bites transforma la vulnerabilidad emocional en una balada de dimensiones épicas, mientras que Pour Some Sugar on Me lleva esa mezcla de insinuación sexual, ritmo y estribillos irresistibles hasta su expresión más descarada. Lejos de representar una concesión comercial ajena a su identidad, esa convivencia entre pop y rock constituye precisamente el territorio en el que DEF LEPPARD consiguió construir un lenguaje propio, capaz de resultar sofisticado sin perder accesibilidad y contundente sin renunciar a la melodía.

El tramo final permitió comprobar hasta qué punto esa construcción colectiva constituye la verdadera fortaleza de DEF LEPPARD. En Love Bites, las armonías aportaron profundidad emocional a una interpretación en la que Elliott administró su voz con inteligencia, mientras que las guitarras construyeron una atmósfera que privilegió la melodía por encima de cualquier demostración de virtuosismo. Rock of Ages y Photograph recuperaron una dimensión más directa y contundente, con Rick Savage sosteniendo el peso rítmico, Rick Allen marcando el pulso con su precisión característica y Collen y Campbell aportando el entramado de guitarras y voces que permitió que los estribillos adquirieran una dimensión multitudinaria. La aparición de Hysteria volvió a poner el acento en la sofisticación melódica, mientras que Pour Some Sugar on Me sintetizó esa capacidad extraordinaria de la banda para transformar una construcción musical minuciosa en una celebración colectiva. La respuesta del público fue creciendo hasta convertir el cierre en una sucesión de momentos de euforia compartida, con miles de personas cantando canciones que, más allá de su pertenencia a un género o a una época determinada, forman parte de una memoria musical colectiva. Allí quedó claro que DEF LEPPARD no solamente construyó una colección de éxitos, sino un repertorio capaz de atravesar generaciones y conservar una extraordinaria capacidad de convocatoria emocional.

Sin embargo, después de semejante despliegue tecnológico, de las pantallas gigantes, de las armonías vocales extraordinarias y de una sucesión de canciones que marcaron a distintas generaciones, quizás la imagen más representativa de la noche no haya sido ninguna de las que aparecieron sobre las pantallas. Fue algo mucho más sencillo: la sonrisa prácticamente permanente de Rick Allen detrás de su batería. Una sonrisa que acompañó cada canción y que parecía expresar una alegría difícil de disimular, incluso después de décadas de repetir algunos de los mismos temas frente a públicos de todo el mundo. En su caso, además, esa expresión adquiere una dimensión inevitablemente conmovedora cuando se recuerda el accidente automovilístico que le costó el brazo izquierdo en 1984 y lo obligó a reinventar su manera de tocar. Pero sería injusto reducir esa sonrisa a una historia de superación, porque Allen es, antes que nada, un músico extraordinario que continúa disfrutando de su instrumento y de la posibilidad de compartirlo con sus compañeros. A su alrededor, Joe Elliott, Phil Collen, Vivian Campbell y Rick Savage transmitieron una sensación semejante: la de cinco músicos que conocen perfectamente la dimensión de su propia historia, pero que todavía encuentran placer en el hecho elemental de tocar juntos. En una industria donde el éxito suele transformar las relaciones artísticas en estructuras empresariales y donde las giras pueden convertirse en una repetición mecánica de gestos y canciones, esa sensación de disfrute compartido adquiere un valor particular.

Quizás allí se encuentre la explicación más sencilla de la permanencia de DEF LEPPARD. Detrás de una maquinaria de producción monumental, de los millones de discos vendidos, de las giras internacionales y de una colección de canciones que forman parte de la historia del rock, todavía parecen estar aquellos pibes de Sheffield que comenzaron a reunirse a fines de los años setenta con la ilusión de formar una banda. Pasaron casi cincuenta años, llegaron los éxitos, las tragedias, las transformaciones personales y una industria musical que cambió radicalmente desde aquellos primeros ensayos. También llegaron los millones, los reconocimientos y una popularidad que seguramente ninguno de ellos hubiera podido imaginar cuando empezaban a tocar. Sin embargo, hay algo que parece haber permanecido intacto: el amor por la música y el placer de compartirla. La sonrisa de Rick Allen terminó condensando esa historia mejor que cualquier discurso o despliegue audiovisual. Porque después de tantos años, de varios millones de discos vendidos y de haber conquistado escenarios en todo el mundo, los chicos de Sheffield todavía disfrutan de tocar rock. Y eso, en una industria que tantas veces transforma la música en una obligación empresarial, quizás sea su victoria más importante.

Texto: Carlos Noro

Foto portada: Cortesía Ryan Sebastyan (Producción)

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